Dopo il successo registrato lo scorso anno, Vie: Scena Contemporanea Festival torna alla ribalta con la seconda edizione.
Il pensiero teatrale che muove questo secondo cartellone, pur muovendosi nel solco delle linee tracciate l’anno scorso con ottima accoglienza di pubblico e critica, ne crea anche di nuove amplificando il discorso sulla scena di ricerca specie per quanto riguarda il rapporto di sperimentazione tra la fusione dei linguaggi: cinema – danza – installazioni – teatro.
Vie realizza un ponte (a differenza di quello sullo Stretto che mai unirà Scilla e Cariddi) fra stili di ricerca assai noti, ad esempio un nuovo lavoro di Nekrosius qui in prima mondiale, senza privarsi d’esplorare formule d’intelligente azzardo praticate da gruppi versati sulla nuova performance, come quelle proposte da Ekate e La Voce delle cose.
Insomma, mi piace questo accettare nuove sfide, non ripetere il già fatto per andare sul sicuro, e, ultima scelta ma non per importanza, dare spazio alle realtà emergenti dal territorio.
Sicché il cartellone, pur nella sua varietà d’accenti espressivi, si presenta assai compatto se visto, com’è quasi obbligatorio vederlo, come una proiezione di energia teatrale che indaga sulla frammentata società attuale sfidandone dubbi, conflitti ed emozioni, facendone punto di partenza per tornare a condurre un’indagine sulla scena contemporanea.
In questo Special, nelle note che seguiranno, mi tratterrò su alcune occasioni che tirannicamente ho scelto, ma si dispone anche di altro come si può osservare leggendo il programma sul sito del Festival.

Per i redattori della carta stampata, delle radio-tv, del web, l’Ufficio Stampa è guidato da Simona Carlucci:
tel. 0765 – 42 33 64 e 335 – 59 52 789; mail: carlucci.si@tiscali.it

Per altre informazioni, chiamare lo 059 – 30 57 38

La tragedia di Eschilo (Eleusi, 525/4 – Gela, 456/55 a.C.) qui è riletta e rivissuta su di un palco vuoto, diviso in sette aree di azione; in queste sette porzioni di spazio, sette interpreti del Balletto Civile materializzeranno una danza dando vita a una macchina da guerra ritmica e adrenalinica, secondo l’ideazione del lavoro che è di Michela Lucenti.
A lei, che guida la Compagnia Balletto Civile, ho chiesto: nel tuo lavoro, da tempo c'è un'attenzione al mondo classico e alle sue rispondenze nel mondo contemporaneo.
In che cosa ravvisi principalmente i legami tra le tensioni di ieri e quelle di oggi?

Le tensioni di ieri ci arrivano attraverso dei testi mitici e poetici, noi
non ne possiamo conoscere la vera natura, forse possiamo coglierne le
suggestioni.
So che le tensioni di oggi rinnovano, in una coazione a ripetere, atti
violenti per una antichissima terribile paura dell'uomo che attacca prima di essere attaccato. Questa tensione animale è quella che nei nostri spettacoli ci interessa scandagliare ed è quella che ritroviamo contenuta tra le righe dei testi antichi.

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Torna in scena Silvio Castiglioni dopo aver diretto per anni il Festival Santarcangelo dei Teatri (e s’è visto quest’anno il baratro in cui è caduta quella gloriosa manifestazione da quando non c'è più lui), interpretando un adattamento scenico del romanzo Viaggio in Armenia (1933) di Osip Mandel’štam (Varsavia, 1891 – Vladivostock, 1938).
Castiglioni, solo in scena, è cicerone e custode di un museo armeno, ne attraversa le stanze e i misteri.
Da me avvicinato, così mi ha detto Silvio Castiglioni.

Ho avuto sempre un’infinita passione per Osip Mandel’štam, tanto da trascorrere tre anni circa applicandomi a intense letture di suoi testi, saggi su di lui, ricerche sui casi, spesso drammatici, della sua vita. In quel tempo avevo accumulato una notevole quantità di materiale, però la cosa non mi soddisfaceva perché notavo che mi portava verso una riflessione biografica su quell’autore. Alla fine, Andrea Nanni – che ha curato la drammaturgia di questo spettacolo nato da un lavoro di gruppo – ha fermato la mia attenzione su “Viaggio in Armenia” che si presenta come un libro di viaggio, ma libro di viaggio non è. Che cos’è allora? E come mai sprigiona tanta forza?
La risposta è scenica, difficile da raccontare anche perché s’avvale di un forte impatto visivo e punta a scoprire il macro attraverso il micro, perché come dice Mandel’štam: “E’ nei margini che si trovano i poemi.

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Non è il nome di uno spettacolo, ma il numero dei lavori presentati con la sigla della Compagnia di Virgilio Sieni, una delle presenze più forti della scena europea di danza.
Accanto alla videoinstallazione Adagi partigiani, due spettacoli.
A Virgilio Sieni ho chiesto: A Modena presenti due spettacoli di contenuti diversi fra loro, qual è il filo stilistico che li unisce?

”Solo Goldberg Improvisation” è un lavoro fondato sulla visione di un corpo che si rinnova continuamente, mettendosi alla prova, confrontandosi con la presenza della musica di Bach e con l’attraversamento dell’energia nel corpo e nello spazio. La rigorosa struttura musicale delle “Variazioni Goldberg” offre lo spazio e la forma di una ritualità dove costruzione e improvvisazione coincidono nell’immanenza e nella trasfigurazione.
In “Osso” la partitura scenica e coreografica incontra la dimensione sottile del rapporto padre figlio, come similarità e trasmissione di gesti, eredità. Tra una naturalità gestuale e l’apparizione di figure trasfigurate e intessute di risonanze lontane si sviluppa un dialogo silenzioso che lascia emergere il senso enigmatico della vicinanza, dell’incontro, della trasmissione di insegnamenti, ritmi, posture. Anche qui è un senso preciso della ritualità, nascosto sotto la naturalità di gesti sedimentati, a porre i corpi in bilico tra l’appartenenza allo spazio concreto e a una dimensione di energie immateriali.

Osso
e
Solo Goldberg Improvisation

Qui entriamo nel mondo di un teatro che molto amo, quello che abbandona palco e quinte e si fa blitz in luoghi pubblici. Una modalità che la Compagnia Ekate pratica da tempo.
A guidare Ekate troviamo Magda Siti e Stefano Vercelli.
Ekate?... che vorrà mai dire questa parola?.... e agisce nel nome di chi?
L’ho chiesto a Magda Siti e a Stefano Vercelli. Ora li udrete rispondere con una voce sola. Prodigi della tecnologia di bordo di Cosmotaxi.

Ekate, dea triforme, nume tutelare dei crocevia, ossia dei punti di incrocio di tre strade dirette in opposti versi.
Ekate si associa al ciclo dell’evoluzione, passato presente futuro.
E’ protettrice delle aree liminali, porte e crocicchi.
Allora... incrocio di direzioni, di pensieri, di sguardi.
L’attore deve saper stare anche su una soglia, un confine, cogliere l’esterno, incrociare narrazione, azione e testo scritto.
Tante volte le nostre incursioni performative, laboratoriali o spettacolari, sono andate nella città: “Teatro di fuori” fuori dal teatro.
“Nel nome di chi” vuole mettere “in piazza” il cammino e l’attesa di tre solitudini
Nel nome di chi far uscire i nostri pensieri
Nel nome di chi cambiare,
Non riusciamo più a vederci
Abbiamo sempre e solo bisogno di un gesto che attiri l’attenzione?
Forse un sacrificio
Dobbiamo farlo
Abbiamo solo domande.

E’ un ottimo modo per trovare risposte, aggiungo io.

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C’è il suono di una eco kafkiana in questo lavoro di Spiro Scimone - già in prima nazionale ad Asti l’estate scorsa – che n’è interprete con Francesco Sframeli, regista dello spettacolo. Molti ricorderanno il bellissimo film Due amici (sarà riproposto nel corso del Festival), ma intensa è l’attività teatrale svolta con la loro Compagnia.
A Spiro e Francesco ho chiesto: in che cosa è rintracciabile un'unità stilistica fra il vostro cinema e il vostro teatro?

I nostri spettacoli teatrali e il nostro film sono sempre nati dal bisogno di voler comunicare attraverso l’essenzialità.
La ricerca dell’essenza nella parola, nell’immagine, nell’interpretazione sta alla base del nostro lavoro artistico.
Per raggiungere tale essenza e poter comunicare bisogna che, nel teatro e nel cinema, gli autori, gli attori, siano sempre in relazione tra di loro.
Per poter comunicare è necessario saper ascoltare.
Ascoltare le parole, il silenzio, il corpo, lo spazio.
L’ascolto è indispensabile nel nostro modo di fare teatro e cinema.

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"Quel Nekrosius deve essere un genio", dichiarò nel 1986 Arthur Miller dopo aver visto a Vilnius alcuni spettacoli del regista lituano
A dimostrazione della stima raccolta da questo pur giovane festival, ecco che quell’Eimuntas Nekrošius ha deciso d’affidare la prima mondiale del suo Faust proprio qui, a Modena da dove poi partirà la tournée della sua Compagnia.
Grazie ai suoi lavori Nekrosius è diventato un regista di culto della scena mondiale, considerato come uno straordinario poeta visionario,
Vedremo il suo Faust, una versione che s’annuncia in una nuova e potente struttura drammaturgica, che riscrive, partendo da alcuni elementi chiave, secondo la caratteristica ispirazione del regista, il tessuto originale e i temi universali dell'opera goethiana.

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La Compagnia La voce delle cose - guidata da Paola Serafini e Luì Angelini - produce un teatro che si muove tra l’arte povera fino a quella multimediale proponendo giochi, ad esempio, su fiabe e burattini che si muovono on line secondo le ferree leggi di Propp.
A questo Festival presentano uno spettacolo, della durata di 3’00”, di cui ogni replica è per uno spettatore solo alla volta: Macchina per il teatro incosciente.
Che sia un modo per acquisire una nuova coscienza del teatro?

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CosmotaxiSpecial

per

VIE: Scena Contemporanea Festival

Modena – Carpi – Vignola, 20 – 28 ottobre 2006

FINE

Stefano Disegni, uno dei nostri migliori autori satirici, e fra i pochissimi autenticamente multimediali (non solo disegnatore, ma musicista rock, scrittore, autore tv), cambia casa web.
E’ ora, infatti, conduttore di un nuovo sito in Rete, o meglio, n'è il tenutario,
Stefano, uomo allegro nella pagina e nella vita ma non per questo meno severo nel castigare vizi, tic e lapsus della nostra società, ha messo on line un ambaradam frizzante e spericolato come lo è lui a cavallo della sua amata motocicletta.
Il sito si giova di una divertente segnaletica per entrare nelle varie sezioni, che sono poi le stanze della sua casa, dove si può frugare con lo sguardo ovunque: tra i suoi libri, i dischi, gli armadietti, il frigorifero (non aprite quella porta!), la pattumiera (dove ho trovato le stesse cose che ci stanno nella mia), e così entrare nella sua vita libera che, invece, secondo alquanti, i domiciliari li meriterebbe.
La sua bio, per filo e per segno, e anche per fola e per sogno, è raccontata dalla madre, bravissima persona che ha una sola colpa, lascio alla vostra fantasia immaginare quale.
E’ possibile anche inviare immagini e brevi (please!) testi e lui, a suo tirannico giudizio deciderà se esporli sulle mura webdomestiche, perché, come ha già fatto, gli piacciono i pusher d’immaginari.
Visitatelo quel sito, vi divertirete e conoscerete meglio un artista che pur avendo realizzato un mucchio di cose importanti è lontanissimo da ogni sussiego, pronto a cimentarsi in nuove sfide, a giocare anche con i giocattoli degli altri, un uomo con tante macchie (tifa Lazio, ad esempio) e nessuna paura.
Riuscire a vivere con leggerezza ma senza superficialità è difficile, Stefano ce l’ha fatta.

Ipse Digit

Il Tam Tam Digifestival invita a partecipare al concorso Ipse Digit, rivolto esclusivamente alle produzioni realizzate in digitale.
Durata minima: 1 minuto. Durata massima: 1 ora.
Il concorso si conclude il 31 dicembre di quest’anno. Si premieranno i migliori cinque lavori per ogni sezione ( Digi Music - Scenario Fahrenheit - Narrazioni Mobili - Cinema Via Internet) che saranno proiettati nell’ambito della seconda fase del Tam Tam Digi Fest, prevista per il 21 - 25 febbraio 2007.
A Giulio Gargia, Direttore artistico del Festival (alla Direzione organizzativa c’è Pietro Pizzimento), ho chiesto:Quali sono i traguardi espressivi di questo Festival e in che cosa 'Ipse Digit' si differenzia dagli altri concorsi cinematografici italiani?
La prima domanda che c’è da farsi di fronte all’idea di far nascere un nuovo Festival di cinema è: ma che bisogno c’è ?
La seconda è: a che serve un’altra rassegna che corre il rischio di ripetere in altre salse quello che già avviene nella nostra Regione ?
Diciamo che ci siamo risposti ideando un Festival che mancava.
Per seguire il percorso che - tramite le nuove tecnologie digitali – porterà “Il cinema fuori dai cinema”, con forme che cambieranno profondamente modi di produzione e modi di percezione della narrazione per immagini.
Allo stesso tempo, oggi c’è un gigantesco dubbio che attraversa tutto il corpo sociale: ma la società dell’informazione fa informazione ?
Si esercita ancora il Quarto Potere o sta svanendo ? E se funziona, lo fa in maniera corretta verso i nostri diritti di cittadini o invece tende a omettere, manipolare, censurare secondo le convenienze del momento ?
Con questi nuovi mezzi digitali, economici e “democratici”, molti hanno potuto girare lavori di grande interesse, che altrimenti mai avrebbero visto la luce, data la vigente “censura del mercato”.
Per questo, farli vedere, e dedicare un Festival a questo tema ci sembra - oggi, nella situazione in cui siamo - una necessità.

Per più diffuse informazioni: Tam Tam Digi Fest

Esistono libri (un po’ rari, in verità) che investigando su personaggi, avvenimenti, pensieri, non si contentano di seguire le linee di precedenti tracciati per approfondirne il solco o per scoprirne nuove risorse, ma interpretano quegli eventi – sia pure con attenzione scientifica, senza fare fiction insomma – con un'esplorazione radicalmente diversa.
E’ un po’ come se il partecipante ad un viaggio organizzato di studi presso famosi scavi archelogici, evadesse dal gruppo e decidesse d’andarsene per proprio conto e, dispettosamente, zappettasse dov’è proibito dai cartelli rinvenendo pietre illuminanti.
E’ quanto ha fatto Brunella Antomarini, autrice de L'errore del maestro: Per una lettura laica dei vangeli pubblicato da DeriveApprodi, libro che non renderà più liete le giornate di molti in Vaticano.
Gesù, predicatore ebreo, aveva annunciato l’imminenza del regno di Dio, in molti – primi fra tutti i discepoli – gli avevano creduto. Il regno non s’avverò. Neppure dopo la crocifissione (e neppure 2000 anni dopo, possiamo aggiungere noi con competenza essendo viventi oggi). I discepoli tornano a casa delusi e disperati. Ma non possono accettare la sconfitta, si forma in loro un progetto, stavolta autosalvifico, che è necessario per proteggersi da quella toppata gigantesca.
Scrive Brunella Antomarini: …dopo la morte del maestro i discepoli ne narravano le vicende ricordandole a memoria, la trasmissione che avveniva in forma orale produceva necessariamente varianti e aggiunte interpretati, che non venivano controllate o corrette. I documenti rimasti, poi selezionati e canonizzati, dovevano inevitabilmente portare formule comuni e interpolazioni, retrodatazioni e aggiunte […] Gli evangelisti sono redattori collettivi, che fanno capo ai primi testimoni di cui mantengono la “firma”.
Oggi diremmo un ‘multiname’, alla maniera di Luther Blisset.
Alda Merini (citata nel libro): In ognuno c’è, capovolta, un’epoca.
Così, lavorando sul simbolismo del profondo, attraverso una rigorosa analisi linguistica dei testi, l’autrice illustra come un errore, quello del Maestro Gesù, diventò la religione che conosciamo.
Per una scheda sul libro: QUI
Brunella Antomarini insegna estetica e filosofia contemporanea alla John Cabot University, Roma. È autrice di numerosi articoli e curatrice di libri collettanei. Ha diretto la collana di libri di filosofia ‘Montag’, per la manifestolibri. È curatrice del festival annuale di poetry reading ‘InVerse’ (John Cabot University). È membro della Società Italiana di Estetica. Ha tenuto conferenze ad Avignone, Berkeley, Lisbona, Marsiglia, Milano, Napoli, Roma, Toronto.
A lei ho chiesto: che cosa principalmente ti ha spinto a scrivere questo libro?
Così mi ha risposto.
Il fatto che un testo così bello e misterioso dovesse essere lasciato a interpretazioni dogmatiche, istituzionali, che cioè non ne facessero più un lavoro di ricerca. La letteratura sterminata sull’argomento non si è mai veramente emancipata dalla teologia. Io l’ho usata come fonte di ricerca, ma a partire da questi strumenti, ho cercato poi di dare un senso (con tutta la problematicità di ‘dare un senso’) a quello che potrebbe essere successo – storicamente e culturalmente – visto che la predicazione e la crocifissione sono con molta probabilità accaduti veramente. Ma che cosa è successo? Questa è stata la domanda. E la risposta è ipotetica, ma spiega molte cose: Gesù predicava l’avvento imminente del Regno dei cieli. Viene crocifisso. C’è dunque una doppia storia da raccontare, che è la storia di una contraddizione e di un fallimento, che si intravvede nei testi dei Vangeli: è dall’intreccio di queste due storie (la predicazione del maestro, di tipo ebraico e la sua biografia) risulta un nuovo valore: quello della resa, della rinuncia e dell’accettazione dell’abbandono. Da secoli ci incarichiamo di capire e di difendere un comportamento elevato e spirituale che è nato per caso e per errore.

Brunella Antomarini
“L’errore del maestro”
Pagine 96, Euro 13:00
Derive Approdi

Dallo scorso 3 ottobre, in internet non si può più riportare il testo di un qualsiasi articolo tratto da un qualsiasi sito o giornale, pur citando la fonte. Lo dice l'art. 32 del decreto legge n. 262.
Per poterlo fare occorre pagare un compenso all'editore. E se non lo si fa le sanzioni sono salate.
Fino al giorno prima del decreto il copyleft era ammesso sul web con la sola restrizione di citare rigorosamente la fonte editoriale e l'autore del pezzo.
In altre parole: un comitato di quartiere che vuole documentare uno scempio ambientale archiviando articoli della stampa locale. Un'associazione di persone colpite da una malattia rara che vuole mettere a disposizione di tutti una rassegna stampa sui progressi scientifici del settore. Un'associazione pacifista che vuole denunciare, con prove giornalistiche, crimini di guerra e violazioni dei diritti umani.
Bene - o meglio: male -, tutti questi soggetti sono costretti a pagare una tassa alle associazioni degli editori per continuare a svolgere le loro attività.
Non e' facile trovare la disposizione che introduce questo balzello: per scovarla non basta leggere l'intero testo della finanziaria, ma va esaminato l'articolo 32 del capo IX del decreto legge 262 del 3 ottobre 2006, collegato alla finanziaria ed entrato già in vigore il 3 ottobre scorso. Chi riesce ad arrivare alla fine di questo labirinto giuridico scopre che il decreto modifica la legge sul diritto d'autore all'articolo 65, stabilendo che

i soggetti che realizzano, con qualsiasi mezzo, la riproduzione totale o parziale di articoli di riviste o giornali, devono corrispondere un compenso agli editori per le opere da cui i suddetti articoli sono tratti. La misura di tale compenso e le modalità di riscossione sono determinate sulla base di accordi tra i soggetti di cui al periodo precedente e le associazioni di categoria interessate. Sono escluse dalla corresponsione del compenso le amministrazioni pubbliche.

In sintesi: se vuoi fare una rassegna stampa online o cartacea, devi pagare. Anche se la tua attivita' e' senza fini di lucro, umanitaria o caratterizzata da una valenza culturale o sociale, devi versare comunque dei soldi. Soldi che per giunta verranno intascati dagli editori, e di certo non dai giornalisti che hanno scritto quegli articoli, pagati una tantum per la cessione dei loro diritti d'autore alle testate per cui lavorano.
Per capire questo giro di vite in tutta la sua portata basta leggere la precedente formulazione dell'articolo 65, che condizionava le rassegne stampa alla sola citazione della fonte: "gli articoli di attualità di carattere economico, politico o religioso, pubblicati nelle riviste o nei giornali, oppure radiodiffusi o messi a disposizione del pubblico, e gli altri materiali dello stesso carattere possono essere liberamente riprodotti o comunicati al pubblico in altre riviste o giornali, anche radiotelevisivi, se la riproduzione o l'utilizzazione non è stata espressamente riservata, purché si indichino la fonte da cui sono tratti, la data e il nome dell'autore, se riportato".
Ma i tre colossi editoriali italiani che applaudono alla nuova legge (Rcs, Mondadori/Fininvest e il gruppo Caracciolo/L'Espresso) ignorano che la citazione di un articolo su un blog o un sito web e' in realtà una pubblicità gratuita per chi lo ha stampato? E che i cittadini sostengono già di tasca propria le imprese editoriali con i finanziamenti a pioggia della legge sull'editoria che premiano gli editori e gli stampatori di riviste associati a improbabili partiti e movimenti creati ad arte per scucire quattrini, come ha documentato un'ottima inchiesta di "Report" .
Per questa ragione un gruppo di volontari dell'associazione PeaceLink ha realizzato un appello (pubblicato a questo indirizzo) per dare la possibilità di conoscere quanto sta accadendo e prendere posizione in merito decidendo se schierarsi a difesa di un ingiusto profitto o dalla parte del diritto alla libera circolazione delle informazioni.
In quell’appello si chiede al governo di fare un passo indietro rispetto a questo decreto legge.
Cosmotaxi lo ha firmato e invita a farlo.

Il cinema d’animazione era, fino a pochi anni fa, figlio di un dio minore dell’universo cinematografico, un prodotto sul quale lavoravano in pochi e in pochi, fra i critici, se ne occupavano.
La maggioranza del pubblico, lo riteneva un cinema adatto ai ragazzi e vi portava i figli.
Con l’avvento del digitale, tutto è cambiato. E questa svolta è servita anche a farci incuriosire sulla storia di questa tecnica, a riscoprirne capolavori realizzati in anni lontani.
Conseguenza di quest’interesse, il nascere, anche in Italia, di tanti Festival dedicati al cinema d’animazione.
Ad esempio, in seguito ad un’intesa siglata tra l’Associazione Cortitalia e la Provincia di Potenza, è nato il Piaff: Potenza International Animation Film Festival
Il festival, mette in contatto realtà cinematografiche di diversi Paesi e, allo stesso tempo, offre l’occasione ai ragazzi di seguire i seminari gratuiti tenuti dalla Società Proxima, di pomeriggio al cinema Due Torri.
I film in concorso, provengono da 14 paesi: Australia, Brasile, Canada, Danimarca, Francia, Germania, Italia, UK, Ungheria, Portogallo, Russia, Singapore, Spagna, Usa.
La madrina del Festival è Barbara d’Urso.
In programma anche una proiezione speciale dei migliori videoclip musicali realizzati da Direct2Brain, una delle più rappresentative aziende italiane di post-produzione che ha realizzato, ad esempio, video di Jovanotti, Tiromancino, 99Posse, Ligabue, Planet Funk, Subsonica.
Direttore artistico del Festival è Alessandro D’Urso, fotografo e regista, ha realizzato circa 50 copertine di cd e diretto diversi videoclip musicali.
Oltre al già citato Piaff, è direttore artistico del festival Cortoons.
A lui ho chiesto: quali i traguardi di questo Festival? E, soprattutto, che cosa espressivamente lo differenzia dagli altri festival consimili presenti nello scenario italiano?

Il Piaff, Potenza International Animation film festival, ha come obbiettivo quello di portare al sud Italia una panoramica più ampia possibile del “fenomeno” animazione. Vogliamo promuovere i prodotti audiovisivi Italiani creando un punto d’incontro e di scambio di esperienze fra i professionisti del settore, portando a conoscenza del pubblico le diverse culture dei Paesi da cui provengono le opere che concorrono al Festival.
Il Piaff 2006 avra’ un carattere principalmente didattico. Oltre ai seminari sugli effetti speciali, proietteremo diversi backstage che daranno modo di capire quale lavoro c’e’ dietro un cortometraggio di 3 minuti.
Il distinguo con gli altri festival sta proprio nel cercare di dare agli spettatori gli elementi di base per appassionarsi all’animazione.

Per i redattori della carta stampata, delle radiotv, del web, l’ Ufficio Stampa è curato da Francesca Bellino: 338 - 279 12 96, fbellino@aliceposta.it

Piaff
Festival di Cinema di Animazione di Potenza
25-28 ottobre 2006
Cinema Due Torri – Potenza
e a Lavello, Venosa, MarsicoNuovo, Maratea

E’ in corso a Milano una mostra di grande rilievo specie per chi ama le arti elettroniche.
Si tratta di Bottom-up: circostanze dell’immagine mediale ed è ospitata da
StudioSei Arte Contemporanea diretta da Sebastiano Dell’Arte.
A idearla: Gabriele Perretta, storico, saggista, studioso di estetica e media; docente a Parigi di Storia e teoria della critica e, a Milano–Brera, di teoresi dell’estetica tecnologica, ha tenuto seminari e corsi a Barcellona, Lovanio, Francoforte.

Gli artisti presenti nella mostra: Karin Andersen - Alessandra Ariatti - Valentina Bardazzi - Fabrice De Nola - Nan Golden - Lello Lopez - Giorgio Lupattelli - Antonello Matarazzo (nella foto una sua produzione) – Andrea Neri - Wolfgang Tillmans.
Nella nanotecnologia, mentre il procedimento chiamato “top-down” (dall'alto in basso, o dal grande al piccolo) provvede alla miniaturizzazione di dispositivi già esistenti, quello del “bottom-up” pensa alla costruzione atomo per atomo, ovvero intervenendo direttamente sulla struttura della materia.
Scrive Perretta: Con i più attuali sviluppi del “bottom-up”, anche l’arte può evolvere verso una parcellizzazione infinitesimale dell’immagine e soprattutto perdersi tra la fitta rete di dati generali e particolari, tra condizioni massimali di realtà e condizioni minimali di produzione, raggiungendo una condizione di “subrealismo mediale”. Se le nanotecnologie tendono alla miniaturizzazione, in arte però l’effetto bottom-up non ci deve riportare all’iperrealismo, ma ad un’immagine nanometrica, che inevitabilmente perfeziona i dettagli di tutte le figure, le copie, le sembianze. Riportandoci ad una progressione tecnica, qui il grande e il piccolo si confondono in uno spazio dell’immagine che è oltre l’alta definizione. Uno spazio che si alimenta grazie al gioco concettuale del figurato, ovvero non una semplice riproduzione figurativa della realtà con il mezzo tecnico, ma un luogo dell’immaginario che comprende i segni del quotidiano e i mondi più invisibili della materia.
bottom-up… è, dunque, un’esposizione che prende un libero spunto dal fenomeno delle nuove tecnologie in rapporto all’immagine. Naturalmente, il confronto si avvale di un termine di paragone metaforico e prova ad interrogarsi: “come sarà l’immagine domani?”. La risposta è data da una soluzione molto semplice: l’immagine si propone sempre di più come “cosa fra le cose”, più sapientemente tecnica di qualsiasi altro tradizionale artigianato, più realistica di qualsiasi altro realismo, ma anche più astratta di qualsiasi altra astrazione e più concettuale di qualsiasi altra concettualità.

“Bottom-up: circostanze dell’immagine mediale”
StudioSei Arte Contemporanea
Viale Regina Giovanna 6, Milano
Tel.02 – 890 58 427, info@studioseiarte.com
Fino al 14 novembre

Che gran bel libro ha scritto Paolo Nori!
Pagine che raccolgono e tengono insieme, cronaca, memoria, riflessione, in una perfetta coincidenza fra tempi storici e tensione esistenziale, documento e fantasia. Il tutto sul filo di una scrittura dallo stile parlato in cui l’io narrante spicca come in certi film una figura a colori nei fotogrammi in bianco e nero.
Il libro ruota intorno a quanto avvenne il 7 luglio 1960 a Reggio Emilia. Vennero uccisi dalla polizia cinque manifestanti che, nella Piazza Cavour (oggi Martiri del 7 luglio), partecipavano a una dimostrazione contro il governo Tambroni, sostenuto dai neofascisti dell'Msi.
Altre manifestazioni si svolsero in quei giorni in numerose città italiane, ma il più crudele tributo di sangue si ebbe a Reggio Emilia.
Là morirono: Afro Tondelli travolto da una jeep, e Ovidio Franchi, Emilio Reverberi, Lauro Farioli, Marino Serri sotto colpi d'arma da fuoco.
Titolo del volume, edito da Feltrinelli: Noi la farem vendetta.
Qui non c’è cipria del tempo, né cosmesi politica, ma un racconto dove dietro ogni tratto c’è il colore del sangue e il calore della passione, roba che ti tiene sempre in allarme, senti che aldilà del cruento episodio rievocato gravano altre minacce, altri pericoli, ci sono Parche che ti guardano dalle pagine, e non necessariamente vestite in grigioverde.
Con Paolo Nori, tempo fa, ho fatto quattro chiacchiere nella mia taverna spaziale a bordo dell’Enterprise ed ora, in una pausa di volo, gli ho chiesto: secondo te, Il 7 luglio 1960 a Reggio Emilia, quale Italia finisce? O quale Italia comincia? Oppure, quale Italia continua da sempre?
Così mi ha risposto.
Vedi, l'Italia a me sembra un concetto così strano. E' un po' come la lingua italiana, che è talmente varia, nelle sue espressioni, che i linguisti dicono che un italiano parlato non esiste, e a pensarci è difficile dargli torto. E se per me è complicato fare un discorso su una cosa che è vaga, ma anche così concreta come la lingua, diventa impossibile fare un discorso sulla politica, italiana, o sulla società, italiana, alle quali credo tu alluda nella domanda. Per quello che riguarda uno degli oggetti del libro, cioè la violenza dello stato, tra le tre alternative che mi proponi, quello che mi sembra salti un po' fuori, dal libro, è che le cose, sul piano del tempo della storia, continuano così com'erano. Poi il libro alla fine è ottimista, perché sul piano del tempo individuale, delle volte, succedon delle cose che ti viene da dire che al mondo c’è un po’ di giustizia.

Sul sito dell’Editrice c’è un ricco special sul libro, special che contiene anche alcune pagine del volume lette dall'autore.

Paolo Nori
“Noi la farem vendetta”
Pagine 194, 15:00 Euro
Feltrinelli

Oggi mi occupo di un tema che meriterebbe da parte di tutti i media maggiore attenzione: la lettura per i ciechi.
Me ne fornisce lo spunto un libro, pubblicato anche in Braille, di cui dirò fra breve.
Desidero, però, prima segnalare un paio di siti web che si occupano del problema e che possono essere interessanti per chi non fosse al corrente delle più recenti ricerche informatiche in materia.
Perché, tra i tanti meriti del web, c’è anche quello di avere, sia pure in parte, risolto difficoltà che fino a ieri rendevano ancora più difficili le condizioni di chi soffre del grave handicap della cecità.
Buone occasioni per informarsi, le trovate su Wikipedia e anche QUI e QUI.
Protagonista di un’iniziativa editoriale che, si spera, possa trovare seguiti anche presso altre editrici è la Derive Approdi che, infatti, ha reso disponibile anche in Braille il romanzo La trota ai tempi di Zorro di Michele Marziani (a destra nella foto).
Il libro è stato trascritto ed inserito nel catalogo della Stamperia Braille
di Firenze, l'unica di proprietà pubblica esistente in Italia, appartiene, infatti, alla Regione Toscana.
Dice Cecilia Trinci: Speriamo che altri autori ed editori rendano disponibili le loro opere per arricchire il catalogo della nostra stamperia che è regionale, ma le opere presenti nel catalogo sono a disposizione di tutti i non vedenti.
E aggiunge l’autore Michele Marziani: Credo che l'accesso alla lettura per chi non vede sia, nonostante i grandi passi avanti, ancora un problema. Direi un problema di attenzione. Io l'ho sperimentato direttamente avendo una figlia non vedente, grande lettrice, sempre in cerca di buoni libri. Per questo mi è sembrato ovvio cercare di fare stampare il mio romanzo anche in braille. In questo ho trovato appoggio nella sensibilità dell'editore DeriveApprodi e nella disponibilità della Stamperia Braille della Regione Toscana. Un piccolo segno per ribadire il diritto di tutti alla lettura.
Aldilà dei meriti civili dell’edizione, il libro, romanzo di formazione, ha valori letterari che non sono sfuggiti ai critici; tra le recensioni ottenute, ne propongo qui una estratta da Tuttolibri.

Michele Marziani
“La trota ai tempi di Zorro”
Pagine 96, Euro 11:00
Derive Approdi

Non so a quale significato corrisponda nella divinazione attraverso le cifre (chiamata Aritmomanzìa), il numero 59.
So, però, che nella spiegazione dei sogni - non quella di Freud ma della Smorfia per giocare al bancolotto - quel numero è consigliato a chi ha avuto visione di un abbellimento di casa o persona, ed è detto: “se più bella hai visto che s’è fatta, gioca il 59 e il tuo nemico per l’invidia schiatta”.
Al numero 59, inteso come 59 secondi, è dedicato il lavoro che da anni va svolgendo Irina Danilova (dal 2003 in collaborazione con Hiram Levy), dove quella cifra è usata come ispirazione per condurre creazioni di video arte.
Il tutto è stato organizzato in 59 Secondi Video Festival, un video-pensiero che spazia da microdocumentari alla satira politica, dalla tragedia alla commedia, dalla narrativa alla ricerca sperimentale.
Dietro questa giocosità, è facile scorgere anche una riflessione sul nostro tempo e la sua vertigine, la brevità che è cosa diversa dalla fretta, la vitesse su cui ha speso non poco inchiostro Paul Virilio, e altre connessioni nascoste e meno nascoste.
Mi è cara la misura di un minuto, e, infatti, da anni quando, nella sezione Nadir, ospito su questo sito videoclip, richiedo agli autori proprio quella difficile misura.
Ora, il Festival di cui dicevo approda in Italia sia pure un po’ fugacemente.
Sarà ospitato, infatti, presente Irina Danilova, domani 12 ottobre (ore 20.00), in uno spazio romano che va proponendosi fra i più interessanti della Capitale nell’area dei nuovi media: Stu dio Ra.
Successivamente, sabato 14 ottobre, sarà Potenza all'Amnesiac Home Gallery e, domenica 15 ottobre, allo Spazio Utopia Contemporary Art, Campagna (SA).

“Nobile impasto di fango e ferro è questo mondo”, così cantava nel ‘500 il portoghese Camões e sembra che l’eco di questo verso riecheggi nelle opere di Maria Cristina Carlini che è a Roma con la mostra Terre: sculture-installazioni realizzate con commistione di vari materiali; memorie di paesaggi come metafore di genesi del mondo, per esempio in “Africa”: manufatti d’argilla con rotture telluriche rammendate con filo di ferro.
Quest’artista, nata a Varese, si è formata negli Stati Uniti dove, a Palo Alto, ha studiato a lungo le culture primitive californiane.
A proposito di questa mostra romana in corso, dice lo storico dell’arte Carlo Franza nel presentare i lavori: “Terre” scandisce ancor meglio delle altre volte il modo di operare di Cristina Carlini, il suo fare che si alimenta in una disseminazione di elementi, così come i veggenti del mondo germanico disseminavano i rami di faggio, dando luogo ad un evento magico, a una nuova grammatica in cui invece di raccogliere e decifrare, si potesse conservare il gesto del pensiero e della disseminazione […] le ricerche della Carlini assolvono non solo il principio costruttivo, quanto il senso analogico della percezione esistenziale che qui si traduce, per fattualità e manualità, in un intervento “impressionistico”, ovvero in quella scoperta di una delicata intimità che l’artista vi conduce, leggendone l’immagine.
Per saperne di più, trovate il suo sito web cliccando QUI.

L’allestimento della mostra è dell’architetto Massimo Domenicucci.
Ufficio stampa: Rita Cavalli +39 335 320147; mail: rita.cavalli@rc-media.it

Maria Cristina Carlini
“Terre”
Archivio Centrale dello Stato
Roma, Piazza degli Archivi 27
Fino al 2 – 11

“Compirebbe a giorni 71 anni, se fosse ancora in vita, questo genio, forse non universalmente riconosciuto, fino a quando, tre anni fa, all’asta londinese di Christie’s il suo “Cannone Bella Ciao” venne aggiudicato alla cifra record di 2.247.000 euro. La notizia si diffuse, e servì a far conoscere anche ai non addetti ai lavori chi è Pino Pascali”.
Così scrive Daniele Colossi nel presentare la mostra che ha dedicato a Pino Pascali nella sua Galleria di Chiari.
Nato a Bari il 19 ottobre del 1935, morì a 33 anni l’11 settembre 1968 in un incidente stradale, mentre viaggiava sulla sua moto. Per conoscerne estesamente biografia e percorso artistico, cliccate QUI.
Versatile e modernissimo nell’attraversamento di campi differenti (scenografia, grafica, scultura, pittura, pubblicità, tv), per l’importanza e l’attualità del suo segno, Pascali si presenta in un modo assolutamente originale rispetto alla stessa Arte Povera, corrente della quale è considerato esponente di spicco.
E’ tra i pochi italiani cui è dedicata una sala in permanenza alla Galleria Nazionale d'Arte Moderna di Roma, ed è presente in importanti musei e collezioni italiane e internazionali: il Centre Georges Pompidou di Parigi, il Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig di Vienna, l’Osaka City Museum of Modern Art, la Gam di Torino, il Macro di Roma.
Quando vedo qualcuno storcere il muso dinanzi a chi lavora su commissione (come se tanta, splendida, arte non fosse stata fatta su commissione anche nei secoli scorsi: architettura, pittura, letteratura, musica), uno dei primi nomi italiani che mi vengono in mente è quello di Pino Pascali; lavorare su commissione è soltanto più difficile.
Tante, ad esempio, le opere pubblicitarie realizzate da Pascali alla Lodolofilm dal 1958 al 1968. Dimostrano non solo la sua fantasia attenta e mai scontata, ma svelano altresì quel filo diretto che unisce e stringe fra loro i suoi ‘Caroselli’ e le sue sculture, sigle tv e performances, scenografie e installazioni.
La mostra, gioiosamente, illumina quel percorso
Un Dvd, contenente un’inedita intervista rivolta a Sandro Lodolo, nonché la riproduzione di alcuni fra i più noti ‘Caroselli’ realizzati da Pino Pascali, completa il catalogo a cura di Ilaria Bignotti che in una delle pagine così scrive: Gli piaceva rischiare. Correva in motocicletta e correva nell’arte, tesa allora in quella battaglia frontale che vedeva schierati da un lato il vasto, e non poco confuso, universo dell’Informale europeo con i suoi ripiegamenti ed i suoi doloranti rifiuti esistenziali, dall’altra il mondo della Pop Art americana e inglese, con le sue entusiaste aperture alla società dei consumi e la sua ottimistica carica provocatoria. Critici e artisti: allora ciascuno doveva scegliere. O apocalittici o integrati […] Pino rifiutò sempre di schierarsi da questa parte o dall’altra. Né apocalittico, né integrato. Infiltrato?

Pino Pascali
Galleria Colossi Arte Contemporanea
Info: info@colossiarte.it; 030 – 700 2000
Chiari (Brescia)
Fino al 15 novembre ‘06